Ecrit par un non-spécialiste passionné, ce petit livre vif et brillant s’adresse à tous, et entend fournir un manuel de résistance au discours sur l’art contemporain. Ce dernier fonde son emprise sur une vision mythifiée de l’histoire de l’art : le XXe siècle aurait été avant tout le siècle des avant-gardes, chacune ayant été plus loin que la précédente dans la remise en cause de notions comme la figuration, la beauté, et même l’œuvre. Or non seulement ces notions anciennes ont continué d’exister dans les arts dits mineurs, mais surtout, il y a eu un autre XXe siècle artistique, une tradition de peinture qui s’est obstinée à représenter la réalité et qui réémerge aujourd’hui, de Bonnard à Balthus, de Morandi à Hopper, de Giacometti à Lucian Freud. Cet essai présente cette autre histoire de l’art, dont l’existence infirme le discours, le mythe ... et le marché de l’art contemporain. Cette histoire s’est prolongée secrètement jusqu’à nous : il y a eu en France, au cours du dernier demi-siècle, de très grands artistes, dont certains sont encore vivants, qui ont continué de représenter le monde et de chercher la beauté....

Cet ouvrage, paru en 1983, est très vite devenu un classique contemporain, tant après lui nombre se sont engagés dans la brèche de cette première vraie critique de la modernité artistique. Le constat demeure aujourd’hui encore lucide : depuis les années 1950 se sont multipliés aussi bien les musées d’art moderne que les écrits qui lui sont consacrés. Mais jamais on a aussi peu peint, jamais on a aussi mal peint. La pullulation d’objets hétéroclites qui ne ressortissent à l’'art' que par l’artifice du lieu qui les expose et du verbe qui les commente amène à poser la question : vivons-nous le temps d’un moderne tardif, au sens où l’on parle d’un gothique tardif ? Quelles sont les causes de ce déclin? En transposant dans le domaine des formes le propos millénariste des Révolutions, la théorie de l’avant-garde a peu à peu fait entrer la création dans la terreur de l’Histoire. De ce point de vue, le primat de l’abstraction imposé après 1945 aux pays occidentaux n’est que la figure inverse de l’art d’État que le réalisme socialiste a imposé aux pays soviétiques. Elle a entraîné une crise des modèles : inverse de celle du...

Les liaisons dangereuses de l'artiste, du financier et du fonctionnaire Tout commence avec l'effondrement financier de 2008 et le sauvetage des cotes par les acteurs du marché de l'art. L'Art Contemporain vole de record en record ! Simultanément, l'illusion d'art disparaît. Une prise de conscience a lieu : où est passé l'art ? Apparaissent alors idées dissidentes et pratiques non conformistes. Face aux métamorphoses récentes de l'art contemporain, Aude de Kerros tente de répondre à la question que tout le monde se pose : combien de temps une utopie financière peut-elle durer ? A quand le krach de l'AC ? Comment cela peut-il avoir lieu ? Après le succès de L'art caché, elle nous propose une analyse documentée de l'Art Contemporain, dans sa compromission avec la finance et le pouvoir. Son ton vif et son propos nourri apportent un éclairage unique sur les relations perverses de l'AC avec les marchés et les institutions. En Art Contemporain, artiste, financier et fonctionnaire forment un trio infernal.

C’est la guerre, une guerre qui se déroule sur tous les fronts et qui s’intensifie depuis qu’elle est désormais menée contre tout ce dont il paraissait impossible d’extraire de la valeur. S’ensuit un nouvel enlaidissement du monde. Car, avant même le rêve ou la passion, le premier ennemi aura été la beauté vive, celle dont chacun a connu les pouvoirs d’éblouissement et qui, pas plus que l’éclair, ne se laisse assujettir. Y aura considérablement aidé la collusion de la finance et d’un certain art contemporain, à l’origine d’une entreprise de neutralisation visant à installer une domination sans réplique. Et comme, dans le même temps, la marchandisation de tout recours à une esthétisation généralisée pour camoufler le fonctionnement catastrophique d’un monde allant à sa perte, il est évident que beauté et laideur constituent un enjeu politique. Jusqu’à quand consentirons-nous à ne pas voir combien la violence de l’argent travaille à liquider notre nuit sensible, pour nous faire oublier l’essentiel, la quête éperdue de ce qui n’a pas de prix ?

L’inauguration, le 4 octobre 2019, dans les jardins des Champs Élysées à Paris, de la sculpture Bouquet of Tulips « offerte » par l’artiste américain Jeff Koons à la France en hommage aux victimes des attentats terroristes de 2015 a attisé des polémiques mêlant art, spéculation, décision politique et choix esthétiques. Les qualités esthétiques de ce monument ne sont pas l’objet de ce livre – bien que ces « tulipes » ressemblent plutôt à des objets sexuels qu’on n’a l’habitude ni de montrer ni de nommer. Il s’agit surtout d’analyser ce dont il est révélateur, la manière dont l’opération s’est déroulée, ce qu’elle nous apprend sur la politique culturelle et l’art contemporains, sur les modes de décision et les intérêts en jeu. Enfin, sur les conceptions actuelles de la ville et, pour le dire sans fard, son enlaidissement systématique. La question plus générale que pose l’affaire des « tulipes » est en effet celle de l’art dans la ville, celle de la touristification et enfin de l’enlaidissement au nom de la quête de la beauté, du bien-être et du confort. Nos villes (et tout particulièrement Paris) sont devenues des...

Si la richesse des échanges entre le Brésil et la France est bien connue dans différentes sciences sociales comme la sociologie ou l’anthropologie où la présence française au Brésil a suscité des échanges très féconds qui ont clairement profité aux deux traditions nationales, il en va tout autrement de la sociologie de l’art, puisque les liens entre les deux pays restent encore largement à explorer. Pourtant, il existe clairement deux traditions nationales toutes deux marquées par le fort développement de ce domaine de recherche et, suite à leur forte croissance, les travaux qui se sont imposés au Brésil comme en France n’ont pas manqué de se rencontrer. Le présent ouvrage entend présenter l’état de la sociologie de l’art dans chacun des deux pays de forte tradition sociologique que sont désormais la France et le Brésil, en faire ressortir les spécificités mais aussi les traits communs, ainsi que les sujets de dialogue, que celui-ci soit déjà clairement amorcé ou en probable devenir.

Ceci n’est pas un livre d’histoire, et pourtant tout y est avéré. C’est le roman vrai des derniers feux de la monarchie, la chronique d’une civilisation au raffinement inégalé, et que 1789 emportera à jamais. Le roman vrai de sept destins, chacun emblématique et unique à la fois. Des aristocrates de haut lignage, dotés des vertus dont tout noble doit s’enorgueillir : fierté, courage, raffinement, culture, esprit, art de plaire. Ils se connaissent, sont cousins ou rivaux, libertins dans une société où l’on veut aimer à sa guise, puisque le mariage y est de convenance. Maîtresses officielles ou secrètes, liaisons épistolaires et enflammées, dépit, faveur, puis disgrâce... Jamais l’art de conquérir ne fut porté à cette incandescence. Chacun d’eux, en même temps, veut se forger un destin. Prétendant aux plus hautes fonctions au service du Roi, ils devront composer avec la cour où les alliances se font et se défont au gré d’intrigues savantes et souvent cruelles. On croisera Talleyrand, Laclos, Marie-Antoinette dans la légèreté de ses vingt ans, les chroniques savoureuses du prince de Ligne ou de la comtesse de Boigne, les billets, les...

À travers des plantes aux noms évocateurs, comme les immortelles, la pensée, l'éphémère, l'amour en cage ou la canne à pêche des anges, Agnès Domergue et Cécile Hudrisier s'inspirent de la forme japonaise ancestrale du Koan : de courtes phrases, anecdotes ou énigmes, pour méditer et provoquer ainsi « une étincelle d’éveil ». Du Koan éclos alors une fleur inconnue... Elles nous offrent un magnifique herbier pour s’émerveiller, penser, méditer, un ouvrage unique d’une grande originalité et d’une grande force, qui interroge la nature, notre nature, et leurs mystères, pour s’approcher de leur réalisation.

La maîtresse demande à chaque enfant de sa classe de préparer un exposé sur son dinosaure préféré. Attendez-vous à un tour d'horizon haut en couleur, humour et anecdotes... Tout, tout, tout, vous saurez tout sur les dinos !

Des sociabilités de l’écrit aux créations plastiques en passant par les paysages musicaux, les scènes théâtrales ou les itinéraires de cinéastes, la production culturelle au Proche-Orient est riche de ses spécificités et de ses diversités. Elle est intimement liée aux contextes politiques nationaux qui l’encadrent plus ou moins étroitement et à l’horizon conflictuel de la région. L’expérience de la guerre civile au Liban, le conflit israélo-arabe constituent des enjeux de mémoire dont s’emparent les artistes pour dénoncer les silences, les occultations et les non-dits. Les formes de leur engagement sont différenciées et convoquent des registres pluriels : contestation, participation politique, modes d’allégeance multiples, voire repli, parfois revendiqué, sur la subjectivité. Le Liban et la Syrie présentent des situations dissemblables du point de vue du rôle de l’État et du secteur privé, de l’atmosphère politique, du poids de la censure et de l’institutionnalisation des domaines artistiques. De même, les armatures urbaines de la création diffèrent entre Damas et Beyrouth, deux villes proches aux destins divergents. En...

Citée discrètement, utilisée comme toile de fond ou comme motif principal, l’Antiquité irrigue, inspire et influence les productions audiovisuelles contemporaines de tout genre. La culture classique occupe en effet une place majeure dans la construction des sociétés occidentales et fait depuis de nombreuses années l’objet de travaux scientifiques, notamment dans les pays anglo-saxons. Ces études, que certains nomment les « reception studies », commencent depuis peu à intéresser la recherche française. Cependant, celle-ci se concentre avant tout sur l’époque moderne et les débuts de la période contemporaine, délaissant la période la plus actuelle. De plus, les études concernant les manifestations les plus récentes de l’Antiquité dans la culture populaire se consacrent généralement à la littérature, à la bande dessinée et aux péplums, ceux de la vague d’après 2000 ayant cependant été peu traités. Ce volume rassemble les actes du colloque Antiquipop qui s’est tenu en mai 2016 à Lyon. Il propose de se concentrer sur les références à l’Antiquité dans la culture populaire la plus contemporaine, et sur des supports trop peu considérés...

Si les liens qui unissent l’art et la contestation sont à la fois étroits et multiples, ils ont rarement attiré l’attention des analystes des mouvements sociaux, alors même que ce domaine de recherche s’est considérablement développé au cours de la dernière décennie. L’objectif de cet ouvrage est d’explorer la diversité des liens qui unissent art et contestation, c’est-à-dire l’ensemble des similitudes, passages, importations ou reconversions qui s’opèrent entre le champ artistique et les mobilisations collectives. Il explore les engagements d’artistes autour d’enjeux propres au monde de l’art ou touchant les modes d’exercice des professions artistiques, mais aussi le rapport que l’activité contestataire entretient à l’art et aux artistes, ainsi que les usages de l’art à des fins militantes. Du groupe Zebda au « rock identitaire français », du raggamuffin occitan au rap engagé italien, de la contestation par les comédiens polonais de l’état de guerre à la protestation des acteurs américains contre la guerre en Irak, de la « critique artiste » portée par Mai 68 à la contestation esthétique du néolibéralisme en passant...

L’Art au point de vue sociologique conteste à sa façon l’idée très répandue que l’expérience esthétique n’est jamais qu’une expérience privée. Sous la plume de Jean-Marie Guyau (1854-1888), l’auteur de la fameuse Morale sans obligation ni sanction, on y voit la philosophie d’inspiration vitaliste, celle-là même dont la vigueur émouvait Nietzsche, se saisissant de la littérature française du XIXe siècle, pour nous proposer des principes de critique littéraire nouveaux, discutables sans doute, méprisables jamais. Cette œuvre témoigne des premiers effets du concept de sociologie dans les sciences philosophiques et d’une perspective critique ouverte par les hypothèses scientifiques audacieuses de la fin du XIXe siècle. Pour l’offrir au travail scientifique, la présente édition est exactement conforme à la première édition posthume (1889), accompagnée des seuls éléments d’information utiles à la lecture contemporaine.

Livre de tous les superlatifs, le Zarathoustra de Nietzsche continue de fasciner, 120 ans après sa première publication. Par son écriture, d'abord, qui rappelle, à bien des égards, la Bible et sa dimension allégorique mais aussi la poésie sombre sombre d'Hölderlin. Par la présence du personnage de Zarathoustra ensuite, qui tient autant du Christ, par son côté prophétique, que du révolutionnaire, qui annonce le "surhomme", c'est à dire celui qui veut aller au-delà des valeurs reconnues et des vérités admises, sans volonté de domination. Magnifique et déroutant poème, ce texte est à l'image de cette formule du Prologue: "Il faut porter encore en soi un chaos, pour pouvoir mettre au monde une étoile dansante."

Il y a sept ans qu'Austin Cole a abandonné Lexi et sa famille, alors qu'elle enterrait son frère. Quand il refait surface, il n'a plus rien du garçon qu'elle a connu autrefois. Dangereux, couvert de tatouages, il est plus sexy que jamais mais surtout... c'est un Métamorphe. Austin Cole est de retour dans la ville où il a grandi, et arrive à point nommé. Sa vie n'a pas été facile durant ces sept dernières années, et les ombres de son passé menacent de détruire la famille de Lexi. Alors qu'il est décidé à lui apprendre la vérité sur son frère, les choses prennent une tournure inattendue qu'Austin n'avait pas vue venir.

En 2018, le festival d’Avignon était dédié aux questions de genre et la Manifesta de Palerme à l’écologie. Parallèlement à ce nouvel art militant émergent de nouvelles formes de censures (boycott des films de Woody Allen ou de Roman Polanski, pétition pour le retrait d’un tableau de Balthus, annulation de la pièce Kanata de Robert Lepage...). Après des décennies d’art formaliste, autoréflexif ou transgressif, l’art le plus contemporain se trouve plongé dans une atmosphère globale de moralisation. Or, l’art peut-il s’assigner des buts éthiques et peut-il être jugé sur des critères moraux ? Ces questions, que l’on pensait réglées, retrouvent une brûlante actualité. Carole Talon-Hugon procède à un état des lieux de ce nouvel agenda sociétal de l’art contemporain (cause décoloniale, minorités raciales et sexuelles, inégalités...) et procède à une mise en perspective historique qui fait ressortir la particularité de la situation actuelle, avant de procéder à une analyse de la censure éthique. La question est finalement de savoir ce que l’art et l’éthique ont à gagner et à perdre dans ce tournant moralisateur de l’art...

À travers un examen précis des dernières analyses musicales d’Adorno consacrées aux œuvres de Mahler et de Berg, cet ouvrage vise à réévaluer la pensée adornienne de la musique, tout d’abord en interrogeant son statut qui est philosophique. Ni réductible à une approche musicologique, mais ni non plus la simple application d’un système qui se construirait indépendamment d’elle, celle-ci se présente comme le foyer privilégié à partir duquel l’esthétique d’Adorno se laisse saisir comme une esthétique du concret, comme une philosophie de l’art s’élaborant à travers les œuvres. Appréhender sa pensée musicale excède donc une étude spécialisée, elle permet de circonscrire les concepts fondamentaux de son esthétique, notamment ceux de matériau, forme, et contenu de vérité. On a jusqu’à présent beaucoup insisté sur l’ouvrage d’Adorno Philosophie de la nouvelle musique. En s’attachant à ses derniers écrits, cette étude vise à épouser sa pensée musicale jusqu’à son terme pour en ressaisir la cohérence et la dynamique internes. On ne la comprend qu’au vu d’un double effort : d’une part élaborer un concept positif de...

Une visite dans les sanctuaires du faux que sont les musées californiens, un match de football, une émission télévisée, les actions terroristes des Brigades rouges ou les phénomènes de mode... Tels sont certains des événements quotidiens ou exceptionnels, légers ou tragiques, qu’analyse Umberto Eco dans ces chroniques écrites au jour le jour. L’intelligence et la finesse, l’ironie et l’humour de l’auteur du Nom de la rose nous entraînent dans la ronde des signes de notre modernité, dévoilent les jeux subtils du faux et du vrai, les stratégies de l’illusion. Il y a du Socrate en Umberto Eco, qui sait développer chez son lecteur un salutaire soupçon envers les discours qui l’assaillent. La chronique aussi peut être un art.

Comment certains artistes émergent-ils et deviennent-ils des stars mondiales ? Pourquoi une photographie, une toile, une installation peuvent-elles atteindre plusieurs millions d'euros ? Troisième édition de cet ouvrage remarqué, qui décrypte le fonctionnement d'un marché généralement considéré comme le temple de l'irrationalité en mobilisant les outils de l'analyse économique. En 2013, Balloon Dog (Orange) de Jeff Koons a été adjugée pour 58,4 millions de dollars chez Christie's. Cette œuvre est produite en cinq exemplaires détenus par de grands collectionneurs tels François Pinault ou Elie Broad. Tous deux disposent d'un espace muséal, concurrençant les institutions publiques dont les moyens apparaissent désormais dérisoires. Koons est par ailleurs représenté par la galerie Gagosian. Christie's, Gagosian, Koons, Pinault : quatre acteurs d'un marché dont la structure se rapproche d'un oligopole à frange, où quelques acteurs mondialisés contrôlent le marché tout en laissant la tâche à de multiples galeries – petites et moyennes – de repérer les nouveaux talents et d'assumer la prise de risque initiale. Comment certains artistes deviennent-ils...

Comment l’art vient-il aux personnes, aux objets, aux activités ? Comment passe-t-on d’une activité quelconque à un art, d’un simple artefact à une oœuvre et d’un praticien à un artiste ? C’est cette opération qu’explore ce livre, sous le nom d’« artification » : un déplacement durable et collectivement assumé de la frontière entre art et non-art. Conditions pratiques, techniques, sémantiques, juridiques, institutionnelles, organisationnelles... Les enquêtes réunies ici explorent ces différentes dimensions avec les outils de la sociologie pragmatique, attentive à la matérialité des actions observées en situation. Le lecteur circulera ainsi de la danse hip-hop à la photographie, du graf aux métiers d’art, de l’art naïf à l’art brut, des arts primitifs au théâtre, du cirque à la magie, de la typographie au cinéma, de la mode aux objets de culte et de la bande dessinée au patrimoine. Et c’est au terme de ce petit voyage en artification qu’il aura enfin réponse, précisément, à la question : quand y a-t-il art ?

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