La dramaturgie recouvre deux sens : l'un concerne ce qu'écrit l'auteur dramatique, l'autre a un objet d'étude qui ne cesse de s'élargir, lié à l'action théâtrale et à la représentation. Joseph Danan tente dans cet essai de définir cette activité récente, sur la scène moderne, depuis ses origines chez Lessing jusqu'à la variété de tous ses potentiels actuels.
De la première pièce conservée du théâtre occidental (Les Perses d’Eschyle) au théâtre contemporain (Genet, Kantor, Müller, Koltès ou Bond), les morts n’ont cessé de hanter la scène occidentale. Le phénomène est assez frappant, pourtant les spectres – les « ombres », comme les dramaturges les appellent, du XVIe au XVIIIe s. – ont assez peu attiré l’attention, sauf celui de Hamlet. On sait qu’ils interviennent chez les tragiques grecs, chez Sénèque, Shakespeare, Strindberg et Ibsen ; on connaissait beaucoup moins le rôle qui leur est dévolu dans la tragédie humaniste, le théâtre élisabéthain, le ballet de cour, la tragédie du XVIIIe s., le drame et l’opéra du XIXe s. Et même dans le théâtre le plus proche de nous, leur présence obstinée n’a pas beaucoup soulevé l’intérêt des spécialistes. Ce volume entend réparer cet oubli en se penchant sur les raisons – théoriques, pratiques, voire politiques – qui ont favorisé le retour des morts, à travers vingt-cinq siècles de théâtre occidental. Ce ne sont pas seulement les textes dramatiques qui sont interrogés, et la théorie théâtrale, mais aussi les conditions de...
Les dramaturgies contemporaines se passionnent pour le corps, les corps. Jadis instrument de l'action dramatique, le corps reprend à présent ses droits sur scène ; se donne alors à voir la physis d’un corps vulnérable, désirant, traversé d’intensités, toujours déjà travaillé par l’échéance de sa propre mort. Les « passions du corps », au sens étymologique de « souffrances », désignent ainsi tout ce qui porte atteinte à l’intégrité du corps, tous les flux, forces ou émotions qui l’écartent de lui-même, l’arrachent à la fiction de l’identité entendue comme pure intériorité. Enfin, le terme « passions » fait évidemment référence au paradigme christique, et à la Passion comme forme théâtrale d’origine médiévale. Les dramaturgies contemporaines s’intéressent plus particulièrement au moment iconique de la Passion, celui de l’agonie du Christ en croix. Là où le théâtre de tradition aristotélicienne tend à occulter le corps en l’instrumentalisant comme support du logos, le théâtre de la Passion est tout entier tourné vers la monstration du corps agonisant. A la suite d’Artaud, les dramaturgies contemporaines font...
Ce numéro, coédité par les Presses universitaires de Bordeaux et le Centre international des études du spectacle (Maroc), fait suite à la 10e édition du festival international de Tanger dont le thème a été consacré aux « Dramaturgies alternatives ». Il rassemble les interventions d’une pléiade de chercheurs de renommée mondiale (Patrice Pavis, Stephen Barber, Christel Weiler...) spécialistes des études théâtrales et spectaculaires (performance studies) ainsi que des praticiens issus des quatre coins du monde. Pourquoi les nouvelles dramaturgies ? Parce que le terme même de dramaturgie, de sa première acception en tant qu’écriture dramatique jusqu’à ses dernières manifestations modernes et contemporaines en tant qu’écriture et préparation effectuées par le conseiller littéraire ou artistique du metteur en scène, a connu plusieurs évolutions et mutations. Dans un monde en pleine mutation, soumis à des changements aussi brutaux qu’inattendus, les arts du spectacle ne peuvent qu’être affectés par de tels soubresauts. De nouvelles dramaturgies émergent pour exprimer et traduire sur scène ou dans les lieux publics de nouvelles manières...
Nouvelle édition revue par Colette Scherer Préface de Georges Forestier Apparu au milieu du XXe siècle, ce livre est immédiatement devenu le point de référence des études littéraires et théâtrales. Il constitue d’abord un manuel qui expose, avec une rare clarté, les éléments clés de la dramaturgie classique (les trois unités, les notions d’exposition, de nœud, de péripétie, d’obstacle, de vraisemblance et de bienséance...) et l’ensemble des techniques de composition du théâtre classique, de Corneille à Voltaire en passant par Racine et Molière. Mais ce livre est bien plus qu’un manuel. Jacques Scherer a proposé, chemin faisant, une réflexion novatrice sur la création dramatique. On comprend en le lisant que les grands dramaturges classiques ne sont pas des génies brimés par des « règles » et qui ont réussi en dépit d’elles ; pour eux, compo ser une pièce de théâtre, c’est entrer dans un jeu dialectique entre le sujet choisi et les contraintes techniques liées au système dramatique de leur époque. En proposant un renouvellement aussi profond de la description de l’acte créateur, Jacques Scherer a contribué à transformer la...
Définie à partir du modèle théâtral, la dramaturgie est désormais inscrite et revendiquée au sein d'autres arts scéniques comme la danse, le cirque, ou encore l'opéra. Cet ouvrage se propose donc de l'appréhender de manière extensive et transversale avec l'ambition d'analyser la spécificité de la posture dramaturgique dans tous les arts de la scène, du point de vue de leurs processus de création et en donnant la parole à leur praticiens.
Loin de reproduire de pièce en pièce, comme cela lui a souvent été reproché, une éternelle surprise de l'amour, Marivaux a bâti une œuvre théâtrale protéiforme aux multiples contours. Tout regroupement inédit à l'intérieur du corpus théâtral fait apparaître de nouvelles lignes de force, de nouveaux liens avec les textes narratifs, qui mettent à mal le cliché de l’uniformité et de la répétition. Lorsque dialoguent La Double Inconstance, La Fausse suivante et La Dispute, la dramaturgie de l’inconstance se substitue à la « machine matrimoniale », donnant l’image d’un théâtre dans lequel relations humaines et sociales se tendent et se durcissent. Cette dramaturgie se nourrit de manipulation et de mensonge qui menacent la comédie et le comique, questionnent l’identité jusqu’au trouble, transforment les amours idéales en guerre des sexes ou en conquêtes financières.
Les articles réunis dans ce numéro abordent de différentes manières les relations qui ont existé et qui existent encore entre le théâtre arabe et la culture occidentale ainsi que l’influence exercée par cette dernière sur les arts spectaculaires arabes. Certaines contributions revêtent un caractère historique puisqu’elles retracent de manière générale l’histoire du théâtre arabe en lien bien sûr avec l’art dramatique occidental, d’autres abordent la question en étudiant des pièces adaptées ou inspirées d’après le répertoire occidental et enfin d’autres articles sont consacrés à des dramaturges aussi bien arabes tels Slimane Ben Aïssa, qu’européens comme Philippe Berlin, qui ont réussi à produire un théâtre métissé alliant esprit arabe et forme occidentale.
Cet ouvrage aborde, en un développement continu et avec une grande liberté de ton, des problèmes très variés, de l'analyse dramaturgique aux systèmes autoréférentiels, en passant par les mythologies et symboliques anciennes ou modernes. Explicite ou non, le théâtre y apparaît comme la voix des philosophies et l'image d'une conception du monde et de la pensée. Ici, le vrai-faux théâtral conquiert moins un terrain qu'il ne s'ébahit des étranges végétations qui s'y sont développées. Qui dit : ce livre n'est pas sérieux, il a tort. Dit-il alors : ce livre est sérieux, il a tort aussi. Il a cru s'appuyer sur la logique binaire, mais le mécanisme épiménidien l'a agrippé. Ce livre, comme tous les livres, est vrai-faux.
De ce théâtre de la liberté qu’est le drame romantique, Charles Ammirati détache Ruy Blas, Hernani, Lorenzaccio et Chatterton pour traiter sept questions centrales par le moyen de sept sujets entièrement rédigés. Réflexion sur les limites du genre, réflexion sur la nature du personnage, sur la dramaturgie romantique, sur cette théâtralisation de l’Amour... Le drame romantique, thèmes et sujets ouvre très largement le champ des possibles pour anticiper utilement sur les sujets qui seront proposés à la session de juin 1997. L’ouvrage s’achève par un lexique qui fixe le sens et l’emploi des principaux termes du vocabulaire propre au théâtre. Charles Ammirati, ancien élève de l’École normale supérieure de Fontenay Saint-Cloud, agrégé de lettres modernes, enseigne le français au lycée. Il est l’auteur de deux ouvrages publiés dans la collection Major Bac : Le roman d’apprentissage, thèmes et sujets et Principes et méthodes de l’épreuve écrite de français.
Le théâtre se décline à présent sous bien d’autres formes que celle de la représentation scénique d’une action fictive incarnée par des acteurs. Depuis les années 1960 et les défis de la performance, les expériences spectaculaires et performatives se sont multipliées. L’auteur dans ce Dictionnaire de la performance et du théâtre contemporain a choisi quelque 240 termes et notions pour replacer le théâtre et les spectacles dans le contexte des arts et des méthodes d’analyse. Il puise généreusement dans la théorie des médias, l’anthropologie, l’esthétique et la philosophie de l’art. Outil de référence et de formation, à destination des étudiants et des professionnels, cet ouvrage met en valeur des formes artistiques et des méthodes liées aux spectacles dans un monde de plus en plus globalisé. Il est la continuation et l’aboutissement du Dictionnaire du théâtre, traduit en plus d’une vingtaine de langues.
Référence à un autre lieu géographique ou projection d’un imaginaire différent, artifice littéraire ou objet d’investissement symbolique, l’Ailleurs reste essentiellement un espace flou, dont les insaisissables contours font émerger des représentations plurielles. Cet ouvrage tente de montrer comment le Théâtre s’empare de cet espace et, selon des modalités qui lui sont propres, fait émerger les figurations spécifiques de cet espace Autre, fantasmé ou réel, imaginaire ou symbolique. Les divers articles analysent les représentations de l’Ailleurs au théâtre, pour en proposer les contours, la fonction et la portée dans les dramaturgies de la comedia et des créations modernes et post-modernes. Les travaux présentent différentes perspectives envisagées mais aucune n’est exclusive de l’autre. Cet espace différent, qui peut être à la fois géographique, imaginaire et linguistique, incite sans cesse à se projeter dans un Au-delà de la scène. C’est cet Au-delà, pluriel, multiple, fragmentaire et parfois indéfinissable qui a fait l’objet de notre attention.
Présentation de dix oeuvres de dramaturges sub-sahariens proposées dans le cadre du Festival des Francophonies de Limoges : A vous la nuit (Habib Dembelé), Bintou (Koffi Kwahulé), L'enfant Mbéné (Werewere Liking), La fable du cloître (Caya Makhelé), Un appel de nuit (Moussa Konaté)...
Dans la continuité de Qu'est-ce que la dramaturgie ? - publié en 2010 dans la même collection - Joseph Danan soulève, dans ce nouvel essai, la question de la place et de l'avenir du texte théâtral face à des spectacles-performances de plus en plus présents sur la scène contemporaine.
Définie à partir du modèle théâtral comme la "pensée du passage à la scène" (Bernard Dort), réflexion sur les structures du texte et ses représentations possibles, ou encore mise en relation de l'action, du théâtre et de la pensée (Joseph Danan), la dramaturgie est désormais inscrite et revendiquée au sein d'autres arts scéniques, comme la danse, le cirque, les arts de la marionnette ou encore l'opéra, qui ne font pas nécessairement du texte leur centre de gravité. L'activité dramaturgique s'est élargie et déplacée. Cet ouvrage se propose donc de l'appréhender de manière extensive et transversale avec l'ambition d'analyser la spécificité de la posture dramaturgique dans tous les arts de la scène, du point de vue de leurs processus de création et en donnant la parole à leurs praticiens. Au fil des trente-cinq entrées qui le constituent, ce lexique invite le lecteur - chercheur, étudiant, artiste, spectateur à la découverte des grandes conceptions et mises en jeu dramaturgiques qui influencent : les formes scéniques contemporaines.
L’histoire commence toujours après la fin : on le sait bien. C’est donc au lendemain que commence la pièce : lendemain de fête et de liesse, 13 juillet 1998, un pays célèbre une victoire sportive comme jadis une conquête militaire, dans l’illusion d’une union qu’on prétend sacrée. Sadwell Hall, lui, a choisi cette nuit pour disparaître. On est le lendemain de ce mystère autour duquel s’agrègent les énigmes, et d’abord celle-ci : qui est-il ? On sait seulement qu’il a disparu, et cela suffit pour commencer l’histoire. Lendemain s’ouvre comme une enquête policière, mais c’est une fausse piste – c’est d’autres disparitions qui surtout ouvriront la pièce en mille directions. Les repères se brouillent, et ce décor de récit policier se révèle bientôt pour ce qu’il est : un décor pour des figures en attente d’une histoire, des ombres pleines de nous-mêmes, tout un théâtre qui se replie sur notre présent. Dans cette course ample à travers les deux dernières décennies, Joseph Danan dessine une généalogie de nos secousses présentes, ces terreurs et ces joies qui signent notre appartenance à ces jours, où les Coupes du Monde...
A quoi servent les ateliers-théâtre ? La Dramaturgie du quotidien, du nom de l'atelier qu'a animé l'auteur pendant une vingtaine d'années, propose une réflexion théorique et une approche pratique à travers les analyses d'exercices réalisées par les étudiants. Nous réflechissons avec eux sur nos propres conditionnements. L'homme qui sait que la vie, c'est quelque chose dont il faut faire autre chose, cesse d'être un esclave et devient maître.
A partir de "Ubu roi" créée en 1896, l'auteur étudie toute l'oeuvre théâtrale de Jarry : la théâtralité, les principes dramaturgiques qui s'en dégagent et leur influence sur le nouveau théâtre.
Pour Alceste les choses, les êtres ont une saveur qualitative réfractaire aux idéologies du calcul. D’un autre âge ? Pas seulement. Nous l’avons dit : déposition, au double sens de « dépossession » et de « sans position ». Entre l’intégration curiale et le départ. Sans décision mais sans tension... Et peut-être n’est-il pas tout à fait absurde de décrire ainsi un état (d’âme) de crise. Et encore ceci : pour l’État s’ouvre désormais la crise permanente qu’en trois siècles l’Occident finira par étendre à l’ensemble de la planète. De cela on peut voir un « symptôme » dans le Misanthrope à travers Alceste qui justement, parce qu’il est l’irruption contrainte, ratée, de Poquelin (malgré Molière) produit d’aussi stupéfiantes déflagrations dans le temps de la comédie (extrait du texte de M. Deutsch). Le 4 janvier 1977 a lieu au Théâtre National de Strasbourg, dirigé par Jean Pierre Vincent, la première d’une nouvelle mise en scène du Misanthrope. Parce qu’il faut, statutairement « jouer un classique » et que l’équipe du T.N.S. est engagée à travers le métier du théâtre dans une enquête par coups de sonde dans ...
L’année 1660 marqua en Angleterre la double restauration de la monarchie et du théâtre, réduit à la clandestinité par les puritains pendant les dix-huit années précédentes. Pour réinventer le théâtre anglais, les dramaturges puisent dans le répertoire classique français de nombreux sujets et intrigues, non sans en discuter les principes esthétiques. Un siècle plus tard, la découverte de Shakespeare en France révolutionna la dramaturgie tout autant que le jeu de l’acteur. La circulation et l’appropriation des modèles et répertoires français et anglais ne se limitent toutefois pas à ces périodes bien identifiées. Elles prennent, surtout, des formes complexes et variées, en s’inscrivant dans un cadre européen plus large incluant notamment l’Italie, mais aussi dans le contexte d’une réflexion sur l’esthétique théâtrale ainsi que l’utilité et/ou la nocivité du théâtre qui prend la forme de virulentes querelles de part et d’autre de la Manche. Enfin, les traductions, adaptations, plagiats ou pièces françaises à sujets anglais autant que pièces anglaises à sujets français sont toujours porteurs d’enjeux esthétiques,...
On croit savoir ce qu’est la mise en scène : n’est-ce pas la partie visible du théâtre, ce que les acteurs, les techniciens et le metteur en scène ont préparé pour nous ? N’est-ce pas ce supplément « spectaculaire » qui nous est offert et qui tantôt nous révèle la pauvreté interprétative de ce que nous avons appris des textes à l’école, tantôt remet violemment en question toute vérité de l’œuvre ? On a bien raison de se méfier de la mise en scène ! Mais plus raison encore d’interroger cette méfiance. C’est ce que se propose la présente enquête. Elle porte sur de nombreux types de spectacles : mises en scène des classiques et des textes contemporains, performance, théâtre du geste, dramaturgie de l’acteur, lecture scénique, nouveaux médias, théâtre de la déconstruction, expériences interculturelles, etc. L’ouvrage s’ouvre sur l'étude de l’évolution historique de la mise en scène, il explore les frontières de l’exercice (lecture scénique, jeu improvisé), puis confronte mise en scène et performance. Les grandes tendances de la scénographie en France et la mise en jeu des textes contemporains sont alors présentées. La ...
L'auteur des Contes cruels reste un dramaturge mal connu et prétendument " mineur ", alors qu'il s'est toute sa vie consacré à l'écriture dramatique, et que c'est sans doute avec son théâtre qu'il est le plus inventif, à son époque. Toute une génération s'est dite influencée (Maeterlinck) ou frappée (Mallarmé ou Verlaine) par l'originalité de ce théâtre, et la plupart des pièces ont été, depuis la mort de l'auteur, adaptées pour la télévision ou montées au théâtre - et encore récemment, avec La Révolte. C'est que ce théâtre ne renvoie pas seulement l'image d'une époque révolue, mais permet de mieux comprendre le " théâtre de la parole " qui s'écrit et se joue aujourd'hui. Cette analyse dramaturgique du théâtre de Villiers prend en compte la spécificité du projet théâtral qu'élaborent les pièces, tant en ce qui concerne les caractéristiques d'une écriture dramatique, que leur incidence sur une théorie du drame et de la représentation.